颁奖仪式常用的音乐有哪些
简单的礼物(SimpleGifts)、雪的梦幻(Snowdreams)、英雄的黎明、爱的罗曼史(RomanceDeAmor);这些都很合适放在颁奖仪式上。扩展资料音乐是反映人类现实生活情感的一种艺术(英名称:music;法文名称:musique;意大利文:musica)。音乐可以分为声乐和器乐两大类型,又可以粗略的分为古典音乐、民间音乐、原生态音乐、现代音乐(包括流行音乐)等。在艺术类型中,音乐是比较抽象的艺术,音乐从历史发展上可分为东方音乐和西方音乐。东方以中国汉族音乐为首的中国古代理论基础是五声音阶,即宫、商、角、徵、羽,西方是以七声音阶为主。音乐让人赏心悦目,并为大家带来听觉的享受。音乐能提高人的审美能力,净化人们的心灵,树立崇高的理想。我们通过音乐来抒发我们的情感,使我们的很多情绪得到释放。中国音乐古乐中国古代"诗歌"是不分的,即文学和音乐是紧密相联系的。现存最早的汉语诗歌总集《诗经》中的诗篇当时都是配有曲调,为人民大众口头传唱的。这个传统一直延续下去,比如汉代的官方诗歌集成,就叫《汉乐府》,唐诗、宋词当时也都能歌唱。甚至到了如今,也有流行音乐家为古诗谱曲演唱,如苏轼描写中秋佳节的《水调歌头》还有李白的《静夜思》。中国古代对音乐家比较轻视,不像对待画家,因为中国画和书法联系紧密,画家属于文人士大夫阶层,在宋朝时甚至可以"以画考官"(其实也是因为宋徽宗个人对绘画的极度爱好)。乐手地位较低,只是供贵族娱乐的"伶人"。唐朝时著名歌手李龟年也没有什么政治地位,人们知道他常出唐诗中,受人赞扬。中国古代的"士大夫"阶层认为,一个有修养的人应该精通"琴棋书画",所谓的"琴"就是流传的古琴。不过古琴只限于士大夫独自欣赏,不能对公众演出。古琴音量较小,也是地位较高的乐器。总结:中国古代的音乐理论发展较慢,在"正史"中地位不高,没有能留下更多的书面资料。但音乐和文学一样,是古代知识分子阶层的必修课,在古代中国人的日常生活中无疑有着重要地位;民间则更是充满了多彩的旋律。夏、商时期夏商两代是奴隶制社会时期。从古典文献记载来看,这时的乐舞已经渐渐脱离原始氏族乐舞为氏族共有的特点,它们更多地为奴隶主所占有。从内容上看,它们渐渐离开了原始的图腾崇拜,转而为对征服自然的人的颂歌。例如夏禹治水,造福人民,于是便出现了歌颂夏禹的乐舞《大夏》。夏桀无道,商汤伐之,于是便有了歌颂商汤伐桀的乐舞《大蠖》。商代巫风盛行,于是出现了专司祭祀的巫(女巫)和觋(男巫)。他们为奴隶主所豢养,在行祭时舞蹈、歌唱,是最早以音乐为职业的人。奴隶主以乐舞来祭祀天帝、祖先,同时又以乐舞来放纵自身的享受。他们死后还要以乐人殉葬,这种残酷的殉杀制度一方面暴露了奴隶主的残酷统治,而在客观上也反映出生产力较原始时代的进步,从而使音乐文化具备了迅速发展的条件。据史料记载,在夏代已经有用鳄鱼皮蒙制的鼍鼓。商代已经发现有木腔蟒皮鼓和双鸟饕餮纹铜鼓,以及制作精良的脱胎于石桦犁的石磐。青铜时代影响所及,商代还出现了编钟、编铙乐器,它们大多为三枚一组。各类打击乐器的出现体现了乐器史上击乐器发展在前的特点。始于公元前五千余年的体鸣乐器陶埙从当时的单音孔、二音孔发展到五音孔,它已可以发出十二个半音的音列。根据陶埙发音推断,中国民族音乐思维的基础五声音阶出新石器时代的晚期,而七声至少在商、殷时已经出现。西周、东周时期西周和东周是奴隶制社会由盛到衰,封建制社会因素日趋增长的历史时期。西周时期宫廷首先建立了完备的礼乐制度。在宴享娱乐中不同地位的官员规定有不同的地位、舞队的编制。总结前历代史诗性质的典章乐舞,可以看到所谓"六代乐舞",即黄帝时的《云门》,尧时的《咸池》,舜时的《韶》,禹时的《大夏》,商时的《大蠖》,周时的《大武》。周代还有采风制度,,收集民歌,以观风俗、察民情。赖于此,保留下大量的民歌,经春秋时孔子的删定,形成了中国第一部诗歌总集--《诗经》。它收有自西周初到春秋中叶五百多年的入乐诗歌一共三百零五篇。《诗经》中最优秀的部分是"风"。它们是流传于以河南省为中心,包括附近数省的十五国民歌。此外还有文人创作的"大雅"、"小雅",以及史诗性的祭祀歌曲"颂"这几种体裁。就其流传下来的的文字分析,《诗经》中的歌曲以可概括为十种曲式结构。作为歌曲尾部的高潮部分,已有专门的名称"乱"。在《诗经》成书前后,著名的爱国诗人屈原根据楚地的祭祀歌曲编成《九歌》,具有浓重的楚文化特征。至此,两种不同不同音乐风格的作品南北交相辉映成趣。周代时期民间音乐生活涉及社会生活的十几个侧面,十分活跃。世传伯牙弹琴,钟子期知音的故事即始于此时。这反映出演奏技术、作曲技术以及人们欣赏水平的提高。古琴演奏中,琴人还总结出"得之于心,方能应之于器"的演奏心理感受。著名的歌唱乐人秦青的歌唱据记载能够"声振林木,响遏飞云"。更有民间歌女韩娥,歌"余音饶梁,三日不绝"。这些都是声乐技术上的高度成就。周代音乐文化高度发达的成就还可以一九七八年湖北随县出土的战国曾侯乙墓葬中的古乐器为重要标志。这座可以和埃及金字塔媲美的地下音乐宝库提供了当时宫廷礼乐制度的模式,这里出土的八种一百二十四件乐器,按照周代的"八音"乐器分类法(金、石、丝、竹、匏、土、革、木)几乎各类乐器应有尽有。其中最为重要的六十四件编钟乐器,分上、中、下三层编列,总重量达五千余公斤,总音域可达五个八度。由于这套编钟具有商周编钟一钟发两音的特性,其中部音区十二个半音齐备,可以旋宫转调,从而证实了先秦文献关于旋宫记载的可靠。曾侯乙墓钟、磐乐器上还有铭文,内容为各诸侯国之间的乐律理论,反映着周代乐律学的高度成就。在周代,十二律的理论已经确立。五声阶名(宫、商、角、徵[zhi三声]、羽)也已经确立。这时,人们已经知道五声或七声音阶中以宫音为主,宫音位置改变就叫旋宫,这样就可以达到转调的效果。律学上突出的成就见于《管子-地员篇》所记载的"三分损益法"。就是以宫音的弦长为基础,增加三分之一(益一),得到宫音下方的纯四度徵音;徵音的弦长减去三分之一(损一),得到徵音上方的纯五度商音;以次继续推算就得到五声音阶各音的弦长。按照此法算全八度内十二个半音(十二律)的弦长,就构成了"三分损益律制"。这种律制由于是以自然的五度音程相生而成,每一次相生而成的音均较十二平均律的五度微高,这样相生十二次得不到始发律的高八度音,造成所谓"黄钟不能还原",给旋宫转调造成不便。但这种充分体现单音音乐旋律美感的律制一直延续。秦、汉时期秦汉时开始出现"乐府"。它继承了周代对采风制度,搜集、整理改变民间音乐,业绩终了大量乐工在宴享、郊祀、朝贺等场合演奏。这些用作演唱的歌词,被称为乐府诗。乐府,后来又被引申为泛指各种入乐或不入乐的歌词,甚至一些戏曲和气越也都称之为乐府。汉代主要的歌曲形式是相和歌。它从最初的"一人唱,三人和"的清唱,渐次发展为有丝、竹乐器伴奏的"相和大曲",并且具"艳--趋--乱"的曲体结构,它对隋唐时的歌舞大曲由着重要影响。汉代在西北边疆兴起了鼓吹乐。它以不同编制的吹管乐器和打击乐器构成多种鼓吹形式,如横吹、骑吹、黄门鼓吹等等。它们或在马上演奏,或在行进中演奏,用于军乐礼仪、宫廷宴饮以及民间娱乐。今日尚存的民间吹打乐,当有汉代鼓吹的遗绪。在汉代还"百戏"出现,它是将歌舞、杂技、角抵(相扑)合在一起表演的节目。汉代律学上的成就是京房以三分损益的方法将八度音程华划为六十律。这种理论在音乐实践上虽无意义,但体现了律学思维的精微性。从理论上达到了五十三平均律的效果。三国、两晋、南北朝由相和歌发展起来的清商乐在北方得到曹魏政权的重视,设置清商署。两晋之交的战乱,使清商乐流入南方,与南方的吴歌、西曲融合。在北魏时,这种南北融合的清商乐又回到北方,从而成为流传全国的重要乐种。汉代以来,随着丝绸之路的畅通,西域诸国的歌曲以开始传入内地。北凉时吕光将在隋唐燕乐中占有重要位置的龟兹(今新疆库车)乐带到内地。由此可见当时各族人民在音乐上的交流已经十分普及了。这时,传统音乐文化的代表性乐器古琴趋于成熟,这主要表现为:在汉代已经出现了题解琴曲标题的古琴专著《琴操》。三国时著名的琴家嵇康在其所著《琴操》一书中有"徽以中山之玉"的记载。这说明当时的人们已经知道古琴上徽位泛音的产生。当时,出现了一大批文人琴家相继出现,如嵇康、阮籍等,《广陵散》(《聂政刺韩王》)、《猗兰操》、《酒狂》等一批著名曲目问世。南北朝末年还盛行一种有故事情节,有角色和化妆表演,载歌载舞,同时兼有伴唱和管弦伴奏的歌舞戏。这已经是一种小型的雏形戏曲。这一时期律学上的重要成就,包括晋代荀瑁找到管乐器的"管口校正数"。南朝宋何承天在三分损益法上,以等差迭加的办法,创立了十分接近十二平均律的新律。他的努力初步解决了三分损益律黄钟不能还原的难题。隋唐时期隋唐两代,政权统一,特别是唐代,政治稳定,经济兴旺,统治者奉行开放政策,勇于吸收外城文化,加上魏晋以来已经孕育着的各族音乐文化融合打基础,终于萌发了以歌舞音乐为主要标志的音乐艺术的全面发展的高峰。唐代宫廷宴享的音乐,称作"燕乐"。隋、唐时期的七步乐、九部乐就属于燕乐。它们分别是各族以及部分外国的民间音乐,主要有清商乐(汉族)、西凉(今甘肃)乐、高昌(今吐鲁番)乐、龟兹(今库车)乐、康国(今俄国萨马尔汉)乐、安国(今俄国布哈拉)乐、天竺(今印度)乐、高丽(今朝鲜)乐等。其中龟兹乐、西凉乐更为重要。燕乐还分为坐部伎和立部伎演奏,根据白居易的《立部伎》诗,坐部伎的演奏员水平高于立部伎。风靡一时的唐代歌舞大曲是燕乐中独树一帜的奇葩。它继承了相和大曲的传统,融会了九部乐中各族音乐的精华,形成了散序--中序或拍序--破或舞遍的结构形式。见于《教坊录》著录的唐大曲曲名共有46个,其中《霓裳羽衣舞》以其为著名的皇帝音乐家唐玄宗所作,又兼有清雅的法曲风格,为世所称道。著名诗人白居易写有描绘该大曲演出过程的生动诗篇《霓裳羽衣舞歌》。唐代赵耶利、董庭兰等著名琴师和雷氏世家等斫琴师让古琴艺术发展得更为完善。出现了新的古琴记谱方式--减字谱,逐渐取代原来的文字谱,记谱更为方便快捷,促进了琴曲的普及。唐代音乐文化的繁荣还表现为有一系列音乐教育的机构,如教坊、梨园、大乐署、鼓吹署以及专门教习幼童的梨园别教园。这些机构以严密的考绩,造就着一批批才华出众的音乐家。文学史上堪称一绝的唐诗在当时是可以入乐歌唱的。当时歌伎曾以能歌名家诗为快;诗人也以自己的诗作入乐后流传之广来衡量自己的写作水平。在唐代的乐队中,琵琶是主要乐器之一。它已经与今日的琵琶形制相差无几。福建南曲和日本的琵琶,在形制上和演奏方法上还保留着唐琵琶的某些特点。受到龟兹音乐理论的影响,唐代出现了八十四调,燕乐二十八调的乐学理论。唐代曹柔还创立了减字谱的古琴记谱法,一直沿用至近代。宋金元时期宋、金、元时期音乐文化的发展以市民音乐的勃兴为重要标志,较隋唐音乐得到更为深入的发展。随着都市商品经济的繁荣,适应市民阶层文化生活的游艺场"瓦舍"、"勾栏"应运而生。在"瓦舍"、"勾栏"中人们可以听到叫声、嘌唱、小唱、唱赚等艺术歌曲的演唱;也可以看到说唱类音乐种类崖词、陶真、鼓子词、诸宫调,以及杂剧、院本的表演;可谓争奇斗艳、百花齐放。这当中唱赚中的缠令、缠达两种曲式结构对后世戏曲以及器乐的曲式结构有着一定的影响。而鼓子词则影响到后世的说唱音乐鼓词。诸宫调是这一时期成熟起来的大型说唱曲种。其中歌唱占了较重的分量。承隋唐曲子词发展的遗绪,宋代词调音乐获得了空前的发展。这种长短句的歌唱文学体裁可以分为引、慢、近、拍、令等等词牌形式。在填词的手法上已经有了"摊破""减字""偷声"等。南宋姜夔是既会作词,有能依词度曲的著名词家、音乐家。他有十七首自度曲和一首减字谱的琴歌《古怨》传世。这些作品多表达了作者关怀祖国人民的心情,描绘出清幽悲凉的意境,如《扬州慢》、《鬲溪梅令》、《杏花天影》等等。宋代的古琴音乐以郭楚望的代表作《潇湘水云》开古琴流派之先河。作品表现了作者爱恋祖国山河的盎然意趣。在弓弦乐器的发展长河中,宋代出现了"马尾胡琴"的记载。到了元代,民族乐器三弦的出现值得注意。在乐学理论上宋代出现了燕乐音阶的记载。同时,早期的工尺谱谱式也在张炎《词源》和沈括的《梦溪笔谈》中出现。近代通行的一种工尺谱直接导源于此时。宋代还是中国戏曲趋于成熟的时代。它的标志是南宋时南戏的出现。南戏又称温州杂剧、永嘉杂剧,其音乐丰富而自然。最初时一些民间小调,演唱时可以不受宫调的限制。后来发展为曲牌体戏曲音乐时,还出现了组织不同曲牌的若干乐句构成一种新曲牌的"集曲"形式。南戏在演唱形式上已有独唱、对唱、合唱等多种。传世的三种南戏剧本《张协状元》等见于《永乐大曲》。戏曲艺术在元代出现了以元杂剧为代表的高峰。元杂剧的兴盛最初在北方,渐次向南方发展,与南方戏曲发生交融。代表性的元杂剧作家有关汉卿、马致远、郑光祖、白朴,另外还有王实甫、乔吉甫,世称六大家。典型作品如关汉卿的《窦娥冤》,《单刀会》,王实甫的《西厢记》。元杂剧有严格的结构,即每部作品由四折(幕)一楔子(序幕或者过场)构成。一折内限用同一宫调,一韵到底,常由一个角色(末或旦)主唱,这些规则,有时也有突破,如王实甫的《西厢记》达五本二十折。元杂剧对南方戏曲的影响,造成南戏(元明之际叫做传奇)的进一步成熟。出现了一系列典型剧作,如《拜月庭》、《琵琶记》等等。这些剧本经历代流传,仍在上演。当时南北曲的风格已经初步确立,以七声音阶为主的北曲沉雄;以五声音阶为主的南曲柔婉。随着元代戏曲艺术的发展,出现了最早的总结戏曲演唱理论的专著,即燕南之庵的《唱论》,而周德清的《中原音韵》则是北曲最早的韵书,他把北方语言分为十九个韵部,并且把字调分为阴平、阳平、上声、去声四种。这对后世音韵学的研究以及戏曲说唱音乐的发展均有很大的影响。明清时期由于明清社会已经具有资本主义经济因素的萌芽,市民阶层日益壮大,音乐文化的发展更具有世俗化的特点明代的民间小曲内容丰富,虽然良莠不齐,但其影响之广,已经达到"不论男女","人人习之"的程度。由此,私人收集编辑,刊刻小曲成风,而且从民歌小曲到唱本,戏文,琴曲均有私人刊本问世。如冯梦龙编辑的《山歌》,朱权编辑的现存最早的古琴谱集《神奇秘谱》等。明清时期说唱音乐异彩纷呈。其中南方的弹词,北方的鼓词,以及牌子曲,琴书,道情类的说唱曲种更为重要。南方秀丽的弹词以苏州弹词影响最大。在清代,苏州出现了以陈遇干为代表的苍凉雄劲的陈调;以马如飞为代表的爽直酣畅的马调;以俞秀山为代表的秀丽柔婉的俞调这三个重要流派。以后又繁衍出许多新的流派。北方的鼓词以山东大鼓,冀中的木板大鼓、西河大鼓、京韵大鼓较为重要。而牌子曲类的说唱有单弦,河南大调曲子等;琴书类说唱有山东琴书,四川扬琴等;道情类说唱有浙江道情,陕西道情,湖北渔鼓等,少数民族也出现了一些说唱曲如蒙古说书、白族的大本曲。明清时期歌舞音乐在各族人民中有较大的发展,如汉族的各种秧歌,维吾尔族灯木卡姆,藏族的囊玛,壮族的铜鼓舞,傣族的孔雀舞,彝族的跳月,苗族的芦笙舞等等。以声腔的流布为特点,明清戏曲音乐出现了新的发展高峰。明初四大声腔有海盐、余姚、弋阳、昆山诸腔,其中的昆山腔经由江苏太仓魏良甫等人的改革,以曲调细腻流畅,发音讲究字头、字腹、字尾而赢得人们的喜爱。昆山腔又经过南北曲的汇流,形成了一时为戏曲之冠的昆剧。最早的昆剧剧目是明梁辰鱼的《浣纱记》,其余重要的剧目如明汤显祖的《牡丹亭》、清洪升的《长生殿》等。弋阳腔以其灵活多变的特点对各地的方言小戏发生重要影响,使得各地小戏日益增多,如各种高腔戏。明末清初,北方以陕西西秦腔为代表的梆子腔得到很快的发展,它影响到山西的蒲州梆子、陕西的同州梆子、河北梆子、河南梆子。这种高亢、豪爽的梆子腔在北方各省经久不衰。晚清,由西皮和二黄两种基本曲调构成的皮黄腔,在北京初步形成,由此,产生了影响遍及全国的京剧。明清时期,器乐的发展表现为民间出现了多种器乐合奏的形式。如北京的智化寺管乐,河北吹歌,江南丝竹,十番锣鼓等等。明代的《平沙落雁》、清代的《流水》等琴曲以及一批丰富的琴歌《阳关三叠》、《胡茄十八拍》等广为流传。琵琶乐曲自元末明初有《海青拿天鹅》以及《十面埋伏》等名曲问世,至清代还出现了华秋萍编辑的最早的《琵琶谱》。明代末叶,著名的乐律学家朱载育计算出十二平均律的相邻两个律(半音)间的长度比值,精确到二十五位数字。近代19世纪末,中国被迫开放南方沿海,开始接触西方音乐和乐器,广东音乐首先吸收西方和声方法,创造了新乐器扬琴和木琴,发展了乐队合奏的音乐,广东音乐仍然有其独特的魅力,是中西结合比较成功的典范。1838到1903年(即狭义的"学堂乐歌"运动兴起前的六十多年)教会音乐也对中国现代音乐教育产生了巨大影响。在鸦片战争后,传教士赴华数量增加,西方传教士在中国传教时,往往用唱圣诗来做为辅助方法,因此半音等概念都得到了传播。民间音乐家为中国乐器的演奏发展创造了新的阶段,二胡作曲家刘天华创作了大量的二胡独奏曲,如《良宵》、《光明行》、《江河水》等,演奏家华彦钧(瞎子阿炳)创作了《二泉映月》等二胡和琵琶曲。尽管当时时世动乱,但中国民族音乐不论在独奏和乐队合奏方面都有很大的发展。1910年代到1920年代的新文化运动期间,很多到海外留学的中国音乐家回国之后,开始演奏欧洲古典音乐,也开始用五线谱纪录新作品。大城市里组成了新兴交响乐团,混合欧洲古典音乐和爵士乐,在音乐厅和收音机里非常流行。在20世纪30年代的上海达到其鼎盛时期。虽然使用西方的乐器和音乐手段,但通俗音乐仍然是以中国的方式,即旋律为主,五声音阶为主,才能受到最多人的喜爱。周璇是当时最受欢迎的表演家之一,是当时通俗音乐的代表,其为电影《马路天使》演唱的主题歌《天涯歌女》和《四季歌》一时极为流行,符合当时的民众的抗日情绪,被称为"金嗓子"。现代中华人民共和国建立之后,除革命歌曲之后,又加入翻译成中文的苏联歌曲。各地开始建立交响曲团,演奏西方古典音乐,和中国作曲家的新作。东欧的乐团曾多次到中国表演,中国乐团也参加了许多国际表演会。中国音乐家也尝试用西方的乐器方法写作具有中国风味的音乐,比较成功的有小提琴协奏曲《梁祝》,采纳了越剧的部分旋律。和第三世界的国家交往也不断增加,为此成立了东方歌舞团,专门学习、演唱亚洲、非洲和拉丁美洲国家各民族的民歌乐曲,在中国广受欢迎,从此发展中国家的音乐开始对中国音乐产生影响。中国民族乐队的配器、合奏方式也基本定型,产生了不少成功的民族器乐交响曲。20世纪,中国的民族音乐开始受到世界各国的广泛关注,每年春节,都会被邀请到维也纳金色大厅举行中国新年音乐会,并座无虚席。当代自中国改革开放以来,流行音乐首先从我国的香港及台湾地区进入内地,尤其是台湾的校园歌曲和邓丽君演唱的歌曲,在内地大受欢迎。曾在中国中央电视台1984年春节联欢晚会演出的张明敏的《我的中国心》在内地一炮走红,这也是中国内地第一次公开的港台歌曲演出。此后,中国内地的流行歌曲与其他地区的各种风格、各种流派的音乐结合,产生了不少脍炙人口的歌曲。中国的流行音乐发展迅速,成为世界流行音乐中一支不可低估的生力军。我国香港和台湾的流行音乐发展非常迅速,基本和国际流行趋势同步,尤其是香港,因为当局不干扰音乐的创作,出现了许多著名的歌手和歌曲,不仅风靡内地,而且受到日本、韩国等地歌迷的崇拜。1984年以来,中国的内地、台湾、香港地区以及全球其它地区的华人流行音乐不断交流,开始出现互相融合、汇聚的趋势。因此,开始出现"全球华语流行音乐"的总体称谓。一个突出的表现:中国大陆作为全球最大的消费市场之一,港台、海外各大流行音乐榜单的发布和编制越来越
颁奖音乐有哪些
颁奖音乐有:《万宝路进行曲》、《STARWARS》、《奥林匹克进行曲》、《MySoul》、《DanceToTheDeath》1、《万宝路进行曲》《THEMagnificentSeven》(万宝路进行曲)出自美国德拉(TELARC)公司1986年出品的一张CD《Round-UP》,原是电影《七侠荡寇志》的主题曲,也是大家非常熟悉的万宝路广告主题曲,激情澎湃、无比豪迈。其曲目充分表现出美国音乐的特点,融合了古典、爵士乐与现代等形式多样的音乐风格,配合优秀的录音,让听众充分领略管弦乐多元化的音色表现。经常运用在各大颁奖现场,从一个欢快的引子进入,曲调上下起伏,节奏几乎相同,其中有变调,变拍和变速。2、《STARWARS》电影《星际大战》的音乐最气势恢闳的乐曲是《STARWARS》,这是星戦主题曲。星戦系列的每一部影片开头先是出现字幕:“很久以前,在一个遥远的银河系……”,然後响起雄壮的乐曲,拉开故事序幕。《STARWARS》乐曲就像中国人民解放军八一电影制片厂的片头音乐,铿锵激越!那是银河系的号角在吹响,每一个绝地武士为自由、为正义准备戦斗!太空之浩瀚,宇宙之无限,战争之激烈均表现於主题乐曲,让人热血沸腾、遐想连篇。对于星战迷来说,我们每个人都是银河系共和国的绝地战士,原力与我们同在。3、《奥林匹克进行曲》这首1984年洛杉矶奥运会主题·“奥林匹克的荣耀”(又称:奥林匹克进行曲)是美国当代音乐大师约翰·威廉姆斯(JohnWilliams)的大作。分别收录于1984年洛杉矶奥运会和1996年亚特兰大奥运会的官方主题音乐专辑,由约翰·威廉姆斯(JohnWilliams)亲自指挥波士顿通俗交响乐团完成。4、《MySoul》《MySoul》是一首歌曲,出自韩国作曲家July줄라이的专辑《Time...》,是July最有名的音乐之一,于2007年4月25日发行。《MySoul》夹带着淡淡的悲伤缓缓道来,然后节奏开始逐渐变的欢快,纵使几个重复的音乐也丝毫不会让人觉得单调,静静的听却别有一丝韵味,就像人生,由悲转喜,由苦到甘,特别是中间欢快的节奏那段,掷地有声的触感,音乐的美好尽在指间流淌。5、《DanceToTheDeath》DanceToTheDeath木偶的死亡舞步是日本游戏《KingdomHeartsII(王国之心 2)》中的一首战斗BGM,糅合了钢琴、爵士鼓、中提琴三种乐器,出自日本女作曲家YokoShimomura(下村阳子)。参考资料:百度百科-万宝路进行曲百度百科-STARWARS百度百科-奥林匹克进行曲百度百科-MySoul百度百科-DanceToTheDeath
交响乐团常识
1.求有关交响乐团的有关知识
弦乐器(53人),木管乐器(16人),铜管乐器(12人),打击乐器(3~4人)。
弦乐器 弦乐器是乐队中的乐队,可以以弦乐队的形式单独演出。弦乐队包括: 小提琴分第一小提琴、第二小提琴两个声部。
前者常用来演奏乐曲中的主题。小提琴是弦乐器中音区最高、表现力十分丰富的乐器,温雅、深沉、激昂、刚毅兼而有之。
中提琴比小提琴稍大,音色稍暗,在柔和之中给人以晦涩之感,主要用于伴奏,担任弦乐合奏的中音部分,偶尔也独奏。 大提琴比中提琴大,音乐优美,深厚,善于表达真挚、温暖的感情。
低音提琴体积最大,高度相当于人的身高,需要站着演奏,是弦乐队中音区最低的乐器,也是整个交响乐队的基础——最深沉的低音部,能使乐曲的节奏坚定、突出,音色低沉、昏浊。 竖琴是用两手拨弦而演奏的古老乐器,音色明净、清澈,擅长演奏 *** ,用来表现水波荡漾的意境。
木管乐器 木管乐器是交响乐队中的另一个家族,其中每一个成员都具有十分丰富而多样的色彩。 长笛音色晶莹,如银铃般清脆,既轻柔雅致又热情奔放,长笛既可以演奏快速活泼乐句,又可以演奏柔和优美的抒情性段落,并常常在标题性音乐中描绘各种自然景物,如流水、鸟鸣、风、雨、闪电等。
小提琴协奏曲《梁祝》开始的引子部分,就是用长笛来描绘江南水乡的鸟语花香、山光水色。 短笛比长笛高一个八度,是交响乐队中音区最高的一种装饰性乐器,声音尖利,常用于描绘军队行进或狂风呼啸的场面。
双簧管音色明亮、清新,酷似牧笛,很容易使人联想到乡村景色,它善于表现温柔、真诚的感情。双簧管不仅能够出色地演奏抒情如歌、柔美动人的音乐段落,而且还能够表达那些诙谐怪诞、忧郁沉思的情绪。
有的音乐家甚至认为,双簧管所具有的纯朴和坦率是任何一件管弦乐器都无法表达的。在格里格的《培尔?金特》第一组曲的《晨曲》中我们即可听到精彩的双簧管独奏段落。
英国管音色比双簧管略暗,具有沉思冥想的意境,给人以忧郁、孤单之感。用来描画抚今追昔的感情最为传神。
单簧管是木管乐器组中音域最广、表现力最丰富、技巧性最辉煌的乐器之一,它既柔媚又热烈,其音响中的某些部分象双簧管那样温柔,象长笛那样清澈,同时又带有一种特有的忧郁,最善于表露人心中隐藏的深情。有一种低音单簧管,音色阴暗而略带神秘色彩。
大管是木管乐器组中的低音乐器,它的中音区音响浑厚,高音区与低音区音色有些暗哑,尤其是它的高音区,音色极富戏剧性,有“管弦乐队的小丑”的称谓,善于表现戏谑、嘲讽的情绪,幽默角色的扮演者常选择大管。比才歌剧《卡门》中第二幕间奏曲的主题,柴可夫斯基舞剧《天鹅糊》中的《四小天鹅舞》等都有大管演奏的精彩片段。
铜管乐器 管弦乐队中的铜管乐器的力度超过了木管 *** 乐器的总和,是在需要显示乐队威力时候不可缺少的乐器,一般包括圆号、小号、长号和大号。其中圆号是联系“铜”管与“木”管的纽带。
在交响乐队中,铜管乐器常常独立出现。铜管乐器组具有独特的个性。
在表现辉煌壮丽的、宏伟的、神圣的、热情奔放的情调的音乐中具有得天独厚的功用,同时也可以创造深沉、庄重、阴森、恐怖的气氛,有时也擅长抒情、歌颂、怀念、叙事性的音乐。 圆号属于中音乐器,是最温柔、最富于诗意的铜管乐器,它的音色甜美、迷人,常能给听众带来一种温柔、眷恋之情。
圆号适宜演奏悠长如歌的旋律,也可以演奏宏伟壮观,甚至愤怒的呼号式的旋律,还适于表现严峻、肃穆的气氛或表现幽默、诙谐、怪诞的音乐形象。在一些标题性音乐中,常常用圆号描写自然景物,如日出、夜色、森林、江河、海洋等或模仿猎号、军号及远处的回声。
小号声音激越、响亮,具有金黄色般的色彩,善于表现战斗的召唤、军队的前进和胜利、凯旋的场面。在《查拉图斯特拉如是说》中它勾画出了一轮红日喷薄而出的壮丽景色。
长号的音色与小号有相似之处,都具有光辉明亮、强劲有力的音色,磅礴的气势与威严的力量。常被用于演奏那些雄壮、刚毅、奔放、壮丽、史诗般的旋律。
长号也可以描写庄严、肃穆、深沉、险恶的气氛。如小提琴协奏曲《梁祝》中间展开部中代表“封建势力”的主题,就是用长号来演奏的。
大号是铜管乐器组的最低音声部,声音森严、沉重,如夸张的使用,也能使人感到滑稽、可笑。穆索尔斯基在他的《荒山之夜》里,用大号、长号齐奏出阴森的音调,象征受妖魔祭奠的“黑暗之王”的形象。
打击乐器 打击乐器是现代管弦乐队中重要的组成部分,在管弦乐队中,多半起着装饰和强化节奏的作用,用以强调或突出音乐的总体轮廓。按其音乐性能被分为两种类型,一种是有固定音高的,如定音鼓;另一种是无固定音高的,它们所发出的是一种能令人感到愉快和赋予某种事物以独特个性的噪音。
定音鼓,交响乐队通常使用一组(3~4个)不同音高的定音鼓,它们有丰富的力度变化。定音鼓经常用于整个乐队音响的渐强与渐弱,渐强时可以造成一种排山倒海的宏大气势;渐弱时则可由宏大的音响减弱为隐约可闻的一丝声音。
定音鼓的滚奏极富表现力,强奏时如远方的雷鸣震耳欲聋,弱奏时又。
2.交响乐都有哪些种类
交响乐 概述 交响乐(SYMPHONY)又称交响曲。
是采用大型管弦乐队演奏的鸣奏曲(奏鸣—交响套曲)。交响音乐主要是指交响曲、协奏曲、乐队组曲、序曲和交响诗五种体裁。
但其范畴也时常扩展到一些各具特色的管弦乐曲,如交响乐队演奏的幻想曲、随想曲、狂想曲、叙事曲、进行曲、变奏曲和舞曲等。 此外,交响音乐还包括标题管弦乐曲。
1、一般介绍 交响乐(SYMPHONY)又称交响曲。人们常把它比喻为“音乐王国的神圣殿堂”。
它是交响音乐中最具有代表意义的,也可以说,它是采用大型管弦乐队演奏的鸣奏曲(奏鸣—交响套曲)。 交响音乐不是一种特定的体裁名称,而是一类器乐体裁的总称。
这类体裁的共同特征是: 1、由大型的管弦乐队演奏; 2、音乐内涵深刻,具有戏剧性、史诗性、悲剧性、英雄性,或者音乐格调庄重,具有叙事性、描写性、抒情性、风俗性等; 3、有较严谨的结构和丰富的表现手段。 2、发展历史 法国大文豪罗曼-罗兰说:“艺术中没有进步的概念,因为不管我们回头看多远,都会发现前人已经达到了完美的境界……。
假如有人认为几个世纪的努力已经使我们进一步接近完美,那将是荒谬可笑的……。” 交响音乐的起源可以追述到十分遥远的历史长河中。
它的名称源于古希腊,是当时“和音”和“和谐”两个词的总称。到了古罗马时期,它就演变成为泛指一切器乐合奏曲和重奏曲的代称。
15、16世纪,也就是欧洲的文艺复兴时期,交响乐这一名称被当作了一切和声性质的、多音响器乐曲的标志。而到了巴洛克音乐的初期,它又主要指歌剧、神剧和清唱剧等作品中的序曲及间奏曲。
18 世纪初期,音乐艺术在欧洲得到了迅猛的发展,随着欧洲产业革命的进程,音乐艺术也开始逐步地走向平民化和社会化。 在这个时期中,交响乐作为一种独立的艺术形式,其规模和形式都慢慢有了明确的含义。
当时的意大利歌剧序曲,以它特有的“快——慢——快”三个段落而成为了古典交响乐的基本雏形。到了18 世纪中叶,德国曼海姆(德国南部的文化中心)乐派的作曲家们,以一系列积极而富有创新性的创作,使交响乐的基本形式得以进一步的完善。
1740年奥地利作曲家蒙恩(1717--1750),第一次在慢板乐章和快板乐章之间,加进了小步舞曲(注:法国一种三拍子的舞曲)乐章(第三乐章),这种四个乐章的套曲形式,渐渐演变成了古典交响曲的固定形式。四个乐章是这样布局的: 第一乐章——奏鸣曲式(注:它是古典音乐作品的一种基本曲式,无论是奏鸣曲、交响曲、协奏曲和重奏曲中的重要乐章,都得用它。
)它包括三个部分: 第一部分:(呈示部)有两个主题——正主题(第一主题)、副主题(第二主题),这两个主题往往形成强烈的对比。比如,正主题是冲突性的、戏剧性的,副主题可以是抒情性的、歌唱性的。
也有的奏鸣曲里面,这两个主题是相辅相成的,都是歌唱性的。 第二部分:(展开部)就是把呈示部的主题进行不断地分裂 、模进,在配器、节奏、力度和调性各个方面进行对比和展开。
第三部分:(再现部)再现呈示部的两个主题,调性上有严格的关系,比如在呈示部里,主部的主题是主调(C大调),副部的主题是属调(G大调),而在再现部里,副部的主题也要回到主调(C大调)上。 奏鸣曲式通常开始有一个引子或者序奏,结束有尾声。
这样的曲式常常表现宏大的构思,反映深刻的哲理,当然也有非常强烈的抒情性和描写性。 第二乐章——行板或慢板。
抒情的、以歌唱性音乐见长。 第三乐章——小步舞曲。
它们是轻快、幽默、典雅和风趣的。 第四乐章——终曲。
它通常是快板,经常采用回旋曲式(A+B+A+C+A)或者回旋奏鸣曲式。(所谓的回旋奏鸣曲式和奏鸣曲式不同的地方,就在于呈示部中主题出现两次,也就是主题 —— 副题——主题,然后是展开部、再现部) 我们刚刚讲的这种固定的形式,只是在古典交响乐时期,它是相对固定的。
但是也有特殊的例子,比如:海顿就写过六个乐章的交响曲。至于快、慢乐章之间的对比也会有变化,他写了一部“告别交响曲”,就是以慢板结束的。
至于乐章的多寡,作曲家们根据不同创作的要求,也有很多的变化,有三个乐章的,也有两个乐章的,如大家熟悉的贝多芬的“田园交响曲”就有五个乐章、还有肖斯塔科维奇的“第十四交响曲”,多达十一个乐章。 因此,交响曲的乐章构成和快慢乐章的对比并不是一成不变的。
18 世纪中后期,维也纳古典乐派的兴起及一些天才作曲家的伟大创作,使得交响乐这一艺术形式发展到了全面成熟的阶段。在这里我们首先提到的就是奥地利作曲家海顿。
他一生共创作了120多部交响乐。 他在交响乐艺术上的贡献是——完整而严谨的确立了交响乐的形式和规模,因此,他曾被人们誉为“交响乐之父”。
他的艺术成就直接影响到了他的两位后人——莫扎特和贝多芬。而交响乐的形式、规模、内涵等等,都是在这后两位作曲家的创作中得到真正的成熟和完善的。
莫扎特一生创作了41部交响乐,他的交响乐较之海顿的交响乐不论是在形式的完整、内涵的丰富和思想的深刻等方面都有着大幅度的提高。他以其天才的神来之。
3.介绍一下有关交响乐的常识
1、交响乐队组成形式和形成过程
交响乐队的真正形成是在近几百年内,严格来说就是在维也纳古典乐派所兴盛的时期。在这之前,交响乐队的结构组成并不完善,还只是一些编制不全的管弦乐队。如在海顿和莫扎特的创作中,乐队的编制和规模也仅仅限于室内乐特征的小型乐队。交响乐队形式和编制是在贝多芬的创作中达到最终完善的。如在贝多芬交响乐的创作中,双管或三管编制的交响乐队得到了基本确定。后来,在整个19世纪早期到晚期的浪漫主义音乐全过程中,交响乐队编制和组合形式又得到了进一步的完善。大型四管交响乐队的出现和各种特性乐器的加入,更加丰富了交响乐队的音响效果和艺术表现力。这些特征在 *** 、理查-施特劳斯及20世纪现代作曲家普罗菲耶夫、肖斯塔科维奇和斯特拉文斯基等人的创作中体现的由为充分。
2、交响乐团的编制
交响乐团是音乐王国里的器乐大家族,一般来说它分为五个器乐组:弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组和色彩乐器组。下面分组介绍各种乐器(它们都是从高音到低音的乐器):
弦乐组:小提琴、中提琴、大提琴、倍大提琴。
木管组:短笛、长笛、双簧管、英国管、单簧管、大管。
铜管组:小号、圆号、长号、低音号。
打击乐组:定音鼓、锣、镲、铃鼓、三角铁等。
色彩乐器组:钢琴、竖琴、木琴、铝板钟琴等。
对于一些特殊曲目,还会加入其它的一些乐器,像唢呐,喇叭,二胡等民族乐器
由于交响乐团采用了这么多的乐器编制,所以它有着非常丰富的表现力。交响乐队根据作品风格的需要,它又分为编制上的不同。如单管编制、双管编制、三管编制、四管编制等等。
发展历史
文艺复兴时期就有了交响乐这个说法,但当时的含义和现在完全不一样,当时的交响乐泛指的是一切多声部的音乐。其中包括了声乐和器乐。
到了16至17世纪,交响乐用来称呼歌剧和清唱剧中的序曲和间奏曲,这时声乐已经排除在了交响乐的概念以外,“交响乐”从此成为了纯粹的器乐曲。
18世纪初,序曲和间奏曲开始脱离歌剧开始在音乐会上单独演奏。这对交响乐的发展起了重要的作用,意大利那不勒斯的作曲家斯卡拉蒂在自己的作品中为序曲奠定了“快板-慢板-快板(舞曲风格)”的三段体式,给后来的交响乐的乐章格式建立了最基本的格式。
18世纪下半叶,德国的曼海姆乐派在序曲的创作中开创了主调音乐的手法,提高了乐器的表现能力和音乐的戏剧性,并在三段式序曲的基础上增加了快板的终曲,就形成了四乐章器乐套曲的雏形。
后来的三位音乐大师把古典交响乐发展到了最成熟的阶段,他们是海顿、莫扎特和贝多芬。这三位大师把维也纳乐派和古典主义发展到了颠峰的状态,也使得交响乐进入了自己的黄金时期。贝多芬更是把交响乐的内涵和思想性发展到了一个新的境界,现代意义上的交响乐概念就在这个时期形成了。
之后欧洲的浪漫主义作曲家们在继承了古典主义的精华后,将交响乐的内容、形、乐队编制,乃至于标题,都进行了不同程度的创新。在这个时期,交响乐的形式更为自由,色彩更加丰富,表现手法也更多种多样。
进入20世纪后,交响乐仍然在不停的发展着,越来越多的新元素添加到交响乐中。气势恢弘,感情细腻,表现力无限丰富的交响乐仍然拥有大量坚定的爱好者。
经典交响曲结构如下:
第一乐章:奏鸣曲式,快板
第二乐章:复三部曲式或变奏曲,慢板
第三乐章:小步舞曲或者谐谑曲,中、快板
第四乐章:奏鸣曲或回旋曲式,快板
演奏交响乐的乐团是交响乐团,每个国家乃至每个城市都以拥有一支水平精湛的交响乐团而感到自豪!
奏鸣曲形式与交响乐各体裁的关系
一、奏鸣曲式是基于三部曲式的原理而发展起来的一种曲式,是西洋音乐中最重要的音乐结构。奏鸣曲、协奏曲、交响曲以及其它类型作品的第一乐章,通常是用它写成的。它有时也用于其它乐章。奏鸣曲式与三部曲式不同的地方是第一段和第三段是双主题的,结构也较之庞大,它分以下三个部分。
1、 呈示部
有两个主题。第一主题出现在主调上,而副题多用属调或其它近关系词,如下属词、关系大小词、同名大小调等。这样,主题与副题易于形成调性和色彩上的对比。
呈示部常用于提出矛盾的、可争论的问题。
2、 展开部 (又称发展部)
呈示部中陈述的两个主题,在这里运用各种手法予以展开发挥,它有些类似自由幻想曲,往往能推出全曲的高潮。
展开部用于进行讨论,甚至矛盾间互相斗争。
3、再现部
基本上是呈示部的再现,但有了些变化。原来是属调的副题,在这里移为语调演奏,目的是为了便于回到原调而作结束。
再现部用于统一认识,作初步的结论。
除上述三大基本部分外,奏鸣曲式常在呈示部前加慢速的前奏或引子,在再现部后加一个结尾,用于总结。
古典作曲家创作交响音乐时,多用奏鸣曲式写其中的第一乐章,有的作品末乐章也用奏鸣曲式写。
二、奏鸣曲形式与交响音乐各体裁的关系
1、奏鸣曲形式与序曲的关系
在形式上,序曲大都是单乐章的作品,大多用奏鸣曲式写成,通过奏鸣曲式来展示一定主题,通过两个主题的对比,深刻阐述一定事件。
例如:柴科夫斯基的《1812序曲》
柴科夫斯基用两个主题之间的强烈对比,歌颂了俄罗斯人民反抗法国军队侵略的英勇。
乐曲的引子用安静祥和的音调,描述了俄罗斯人民在入侵前的和平安宁的生活,随后用一系列惊惶不安的节奏与如泣如诉的旋律象征着入侵时人们的惊慌呼喊,之后在军鼓声中,奏出军队集结的号角合奏主题,象征众志成城、誓死抗敌。
呈示部描述了战争的惨烈场景。主部出现的变形的《马赛曲》主题象征着法国军队的高傲、不可一世的形象,副部的主题是两支优美的俄罗斯风格的主题,第一副部主题宽广、抒情,充满了对祖国的深情之爱,第二副部主题来自俄罗斯民歌,轻快的风格颂扬了俄罗斯人民在应战时的革命乐观主义精神与大无畏的英雄主义气概。
发展部进一步描写了战争中双方力量的对比,展示了刀光剑影的场景。其中,《马赛曲》的变式由不可一世逐渐变成强弩之末。
再现部与尾声相连,用从高音至低音的下行音象征着俄罗斯军队在艰苦的战争中取得了最终的胜利。
尾声描述了战争胜利后的欢庆场面,军队集结号角合奏主题的重现,显示了俄罗斯军队的庄严与英勇。
2、奏鸣曲形式与交响诗的关系
交响诗表现题材广泛,形式上灵活多样,结构上比较自由,常使用奏鸣曲形式来表达、塑造特定形象。
例如:理查•施特劳斯的《蒂尔的恶作剧》,用一个引子描述寂静的深夜,蒂尔蹑手蹑脚地出场,开始他的恶作剧。两个用圆号与单簧管演奏出的蒂尔的主题,经过各种变形,在不同的音乐场景中出现,展开部、再现部中,我们可以听到蒂尔骑马闯闹市后,躲藏在墙角哧哧地笑、看到乔装神父说教时表面一本正经内心窃笑的样子,看到他向女人献殷勤的场景、与学者争吵后露出的轻蔑表情。最终,蒂尔被人抓获,无论他如何告饶,仍被处以死刑。结尾中,暗示着蒂尔对自己死亡的反抗与精神的永存,我们仿佛又看到了蒂尔吵闹、窃喜的形象。
3、 奏鸣曲形式与协奏曲的关系
协奏曲通常为三乐章,第一乐章大多采用奏鸣曲形式,最后一个乐章快速、热情,采用奏鸣曲式或回旋曲式。
例如:柴科夫斯基的《D大调小提琴协奏曲》的第一乐章
这部协奏曲以俄罗斯特有的个性与民族音调,将作者一生悲愤加入其中,让我们感受到俄罗斯这个古老而伟大的民族所经受的苦难,令人振奋。
引子:由乐队奏出,具有浓郁的俄罗斯风格。开始时,引子平稳、安详,从容不迫,但经过后一个下行乐句后风格突变,情绪越来越紧张,经过四个上行乐句的摸进,紧张气氛达到顶点。交响乐队安静下来,把小提琴独奏让了进来。独奏小提琴进入后奏出一个自由式的乐句。后直接把音乐带入奏鸣曲形式呈示部的第一主题。
呈示部:由独奏小提琴奏出的呈示部主题给人以典雅、清新、流畅之感,仿佛是自我独白,又好似真诚的倾诉。稍显热情冲动,第二主题优美、伤感,第一主题气势恢宏。
发展部:以小提琴独奏开始,以主题变奏的方式,演绎出优雅的乐段。
发展部与再现部之间,柴科夫斯基安排了一个华彩乐段,将小提琴的技巧发挥到极致。
再现部:长笛紧随华彩乐段中的独奏小提琴颤音而入,情绪仍是发展部中的淡淡的忧郁。
尾声:小提琴的高难度技巧在交响乐队的紧密配合下,给人以振奋的情绪,整首曲子充满了勇往直前的英雄气概。
4、 奏鸣曲形式与交响曲的关系
交响曲通常有四个乐章,其第一乐章多采用奏鸣曲式,快板,第二章为慢板,可用奏鸣曲式;第四乐章也偶尔采用奏鸣曲式。
例如:德沃夏克的《致新大陆》第一乐章
引子由大提琴、长笛奏出,具有沉思般特点。在这之后,弦乐、管乐和定音鼓相继奏出紧张、强烈的节奏,引出坚定有力、号角般的主部主题,暗喻了美国那种紧张、忙碌的快节奏生活。乐章的主部主题转达了“新世界”的消息,具有强烈的震撼效果。副部主题具有抒情性,有思想意味。展开部的发展比较紧凑,以呈示部中主、副部主题的片段为基础进行发展,情绪逐渐紧张、激烈。再现部基本原样重复呈示部,两个主题巧妙的重叠,将乐曲推向高潮。最后,以乐队的全奏为结束。
5、 奏鸣曲形式与组曲的关系
例如柴科夫斯基的《天鹅湖组曲》
乐曲在小提琴,中提琴的颤音与竖琴的弹拨音下开始,在提琴快速的和弦颤音与竖琴优美的琶音的伴随下,双簧管奏出了象征天鹅主题的哀婉悲伤的旋律,将奥杰塔充满温柔的美和无尽伤感的样子呈现眼前。随着音乐的发展,双簧管吹奏的音域不断增高,弦乐与竖琴的伴奏音量也不断加大,当铜管奏出了响亮浑厚的主题旋律时,乐曲从呈现部转到展开部。与此同时,弦乐强力度的颤音作为副旋律出现,使音乐主题进一步深化,随后,在木管富有节奏感的三连音的衬托下,弦乐奏响了动人的主旋律音,仿佛表现出了天鹅群在天空中展翅翱翔的样子。当主题音乐演奏完后,弦乐管乐的演奏力度逐步增强,音乐变得越来越强烈,似乎也在暗示着奥杰塔内心对自由的强烈渴望以及在她身边潜伏着的强大的恶势力(魔王对奥杰塔的控制力)。最终弦乐与管乐的齐奏将音乐推向了高潮。乐曲也由此进入了再现部,弦乐在铜管强音的伴奏下,颤音拉奏主旋律,随着演奏音量的不断减弱,双簧管及长笛吹出了主题音乐,然后是大提琴和贝司重复拉奏,音乐也由此越来越低沉,缓慢,仿佛是在为奥杰塔的命运哀伤感叹。在大提琴和贝司的最后三个间断的音符奏出后,乐曲结束。乐曲结尾音乐的减弱同时象征着天鹅群逐渐地远去。